人体艺术在漫长的西方艺术发展的历史长河中占据着极其重要的位置。古往今来，一代又一代的艺术家都曾在探索人体写生的不同表现方法上倾注了自己毕生的精力。
人体写生既是油画艺术的一个重要组成部分，同时也是我们学习人物画的各种表现方法的一个不可替代的基本途径。
我们可以像这样来开始油画人体写生的研究和学习。
（１）模特儿人体模特儿是我们进行人体写生的最为基本的条件，供课堂教学用的男、女模特儿一般都要求具备匀称的体型、明晰的身段和肌肉结构。女模特儿最好是选用肤色白晰者，因为这种白晰的肌肤含有更多的微妙的色彩变化。也有许多当代艺术家专门选用一些个性特征十分突出，体型比较特别的模特儿。
（２）动态设置在确定了合意的模特儿后，我们就可以开始对之进行动态的设置。
设置模特儿实际上是我们着手这幅油画人体作业的初步构思。我们在进行这项工作时，既要注意动态鲜明，同时又要使模特儿感到舒适，因而可使动态持久，因此我们应该在必要的部位（如伸出的手）加以一定的支撑。
设置模特儿的动作时应注意动作要与模特本人给人的感觉相一致，在进行这项工作时可以参考一些历代大师的作品。
（３）构图处理与画静物、风景、着衣人物一样，形成一幅人体写生作业的第一要素依然还是它的构图处理。我们在正式作画前多花一些时间将这幅画从构图上作一番推敲还是大有必要。
由于人体写生是围绕着人体的解剖、结构和动态变化而进行的，因此我们不可能像画静物和风景那样去随意改变其相互比例关系，但我们仍可以从画面的构成因素上注入自己强烈的主观意识。纵观不同时代的人体艺术作品，虽然同是表现人的体形，但不同的艺术家在画面上所表现出的效果是大不一样的。这就是主观意识的缘故，可以说任何构图处理都是主观能动的结果。古典大师所营造的画面从构图到用笔用色都给我们传达出一种宁静、典雅的感觉，而现代画家却多以新颖、大胆的角度去进行构图处理，使画面充满强烈的运动感和张力。
人体写生包括全身人体和半身人体，不管采用古典式的还是现代感强烈的构图方法对于我们的学习都是适用的。但作为教学要求，学生们特别是初学者的全身人体写生应体现出人体结构的完整性，即将人体从头到脚完整地放在画面适当的位置上，切忌随意地斩头去脚（尽管一幅全身的人体作业的头部表现往往已不再是画面的重点部位）。
半身人像一般也要求画到大腿或小腿的适当位置，不是任何地方都可以随意截取的，一般应当恰好在关节的某处。
（４）起稿上色由于人体写生具有严格的造型规定性，因而我们在进行起稿阶段时要比画静物和风景更严格一些才好。我们应将人体的动态、重心、结构和大的比例关系弄得尽量明确：先在画面上找出人体运动的动态线，确定出其从头到脚的最高和最低点以及两肩、两膝与两脚的相互关系和运动弧度，然后顺着这个线索找出人体各部的解剖、比例关系。
画人体写生必须要求我们对人体的解剖、结构有一个清楚的认识。
因此，能否透彻地画出人体的结构关系更多的还是素描基础的问题。
由于我们已经在起稿的阶段对人体的结构关系进行了清晰、认真的梳理，因而我们在上大色调时就可以放心大胆地将工作的重心与注意力放在处理画面的色彩关系上。我们应将头、颈、肩、胸、腹、上肢、下肢各部的色彩迅速地区分开来，虽然同是一个人的肌肤，由于所处的角度不一样，仔细观察可以明确地将其区分出不同的色段。
上大色调的时候应将人体与背景的色彩同时画出，这样可以始终明了画面色彩的比例关系。
当我们初步接触到人体写生的时候，我们最好是先画一些结构明确的男性模特儿。这个阶段的作业应以比较接近古典油画的表现方法为主，训练的重心应放在认识和熟悉人体的解剖结构上，这个阶段的作业不要求太复杂的色彩变化，故而对衬景色彩的处理也应更多地强调其和谐的关系。
在有了一定的对人体进行油画写生的能力以后，我们可以转向以女模特儿为主的练习中去。这时我们可以适当地将人体的素描关系略微放松，将训练重心放到研究女性人体上那种特有的复杂、微妙的色彩上。
（５）深入刻画由于人体结构本身包含着相当的难度，这使得初学者在进行深入刻画时往往会感到力不从心。一方面既要设法保持画面既定的色彩关系，另一方面又必须使人体的各部位能够刻画得微妙、深入。我们在进行人体写生的深入刻画时，更应强调工作的计划性（因为要画出一幅讲究的人体写生作业没有两三周的时间是不可能的）。我们应当计划每一天的工作进度，使我们每天集中精力去进行某一个部位的刻画。这就要求我们注意什么地方才是分片的最好位置，这样方可有利于我们对每个色块之间的界线进行衔接。
能否处理好人体的外轮廓线和各部关节的微妙的虚实转折是检验一幅人体写生能否得到恰如其分的深入刻画的关键。因此我们应当花大力气去进行认真的推敲，切忌简单化的处理。
（６）整理概括较之静物、风景乃至着衣人物，油画人体写生最后的整体概括处理也与深入刻画一样有着一定的难度，这是由于人体造型所具有的复杂性。一个初学者如果能将一幅人体写生画得比较像样，实属不易。这时如再要求他回过头去在他经过千辛万苦完成的画面上去作一番大的删减，这肯定使他产生一种弄不好会前功尽弃的担心。
其实这种担心是多余的。在前面讲过，一幅完整的长期作业是分成若干个阶段和步骤完成的，这势必会给初学者造成首尾难以相顾的困惑，同时最先的关于这幅作品的种种设想和初衷也可能会在长时间作画过程中逐渐淡化。解决这个问题的办法还是如同画静物一样——正式作画前所画的那个小色稿会迅速帮助我们回到最初的感觉。由此我们可以知道画面造型因素和细节越繁复的作品，事前越是要认真地作小色稿推敲一番，这样才可能使我们在进行深入刻画时不致迷失方向。